竟然更新了吗

赶快端上来罢

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39. the ascension-glenn branca
虽然不是我最喜欢的无浪潮专辑，但是你让我选一张作为无浪潮代表作，我第一时间想到的绝对是这个活人死人（专辑封面branca穿着西装拖着一具男尸，所以我喜欢叫他活人死人，但其实本来想隐喻的是两个男性发生性行为，捡尸吗难道是吓哭了）
虽然这张专辑本质上是glenn branca的一次声音实验，但不妨碍他能把声音实验做得特别好听，实验和悦耳他并不是冲突的，和乱搞也是有区别的你说是吧royal trux，他的思路是想探索当调到同一音符的吉他弦以高音量演奏时产生的共鸣，也正是因为这个原因他才组建了ascension band而其中的成员就包括日后sy的吉他手李拉纳尔多，该乐队一共拥有四名吉他手，因此在这张专辑里能听见宏伟壮丽如同管弦大乐队现场一般澎湃的吉他音浪，我个人认为噪音墙的源头其实就是可以追溯到这个专辑
在我看来，这张专辑其实是借了朋克音乐的形式，根据古典音乐创作思路而形成的，比如开场曲第二课中就可以明显的听出由和谐到不和谐的变化，同名曲目运用了吉他过度回授产生的泛音，它们构成了一个密集而混乱的音景，并不断的堆积情绪上升，吉他在这张专辑里彻底摆脱了他的局限，多把吉他同时演奏微调差异的音符，产生一种类似物理震荡的巨大共鸣。这种对“泛音系列”的数学化运用，让摇滚乐器具备了古典交响乐的力量感，通俗的讲究是把吉他管弦乐化
作为glenn branca的关门弟子，sy不仅吸收了这张专辑中被广泛运用的另类调弦方式，他们的双吉他，甚至洗衣机千叶时期的三吉他演奏配合，很大程度上来源于他们在glenn branca的乐队里磨练技术和格伦布兰卡本人的理念对他们产生的影响，第二首歌中三把吉他以不同的八度音阶演奏，歌曲进行到九分钟时，一把吉他弹奏高音开放和弦，另外两把吉他则作为伴奏，sy洗衣机中三吉他的演奏正是一脉相承于此，影响我爹那就是伟大，那就是夯还用说吗，此外这张专辑也被许多人认为是原型后摇滚，专辑通过长篇幅的重复累积来营造宏大的史诗感，这种从极简主义出发、最终走向爆发式高潮的结构，启发了后来神佑黑帝和天鹅等乐队的创作模式

38. are you experienced?-the jimi hendrix experience
当时在排这个榜的时候，我其实有想把去年那个榜里面所有的老灯摇滚全都摇滚出去，而且我也差不多执行了一半，这张其实本来也是在飞的行列的，但当我为了排榜又听了一遍的时候还是给他跪下了，这迷幻摇滚怎么能做到这么狂野这么好听的，即使是现在我也依然能够惊叹于几十年前那个黑人喷薄而出的创作欲望和自由洒脱不羁的吉他演奏
要我说这张专辑最突出的地方，其实是吉米亨德里克斯彻底改变了人们对吉他音色的认知，甚至改变了人们对音乐音色的认知，为迷幻摇滚重新开辟一条由回授噪音，厚重的fuzz音色和相位平移等录音技术包裹的道路，他将原本被视为噪音的回授和失真转化为艺术化的表现手段，专辑大量使用了磁带倒放双轨录音和相位平移等技术技术，使得吉他听起来像来自外太空的声音
不仅如此，他们也重新定义了当时传统的吉他为主导流行摇滚音乐，歌曲巧妙地运用了三分钟的流行歌曲结构，以此来衬托亨德里克斯前所未有的厚重而激昂的吉他演奏以及响亮而强劲的旋律，在那个摇滚音乐起步不久的年代，这张专辑的躁动冲劲以及狂热等吉他演奏真的堪称石破天惊，我在rym上看到过一个很有意思的评论：所谓“硬摇滚”，指的是那些穿着紧身裤、顶着蓬松发型的男人演奏的、以吉他为主的摇滚乐。对他们来说，吉他就像是他们银镜的延伸，他们会疯狂地用它自慰。现在，我们来看看吉米·亨德里克斯——蓬松的头发，紧身裤，而且他摇滚起来真是牛逼。但关键在于，吉米的吉他本身就是一个性器官，一根充满力量、坚硬如铁的阳刚之棒。他以精湛的技巧、灵巧的演奏和饱满的情感驾驭着它，这个形容让我觉得无比贴切，而且我愿意更进一步去描述：当吉米亨德里克斯站在那里，拿起吉他开始演奏的时候，他就是摇滚乐本身

明天继续，本公主乏了

竟然复活了

37. repeater-fugazi
哪张专辑是后硬核的标准模板，毫无疑问那就是fugazi的首专，先前我说我并不认为zen arcade是纯粹的后硬核是因为他的律动节奏型仍旧还是相当贴近硬核朋克那种直来直往的感觉的，而fugazi的首专才真正确立了后硬核这一音乐形式的特点，更复杂更具有律动的节奏和双吉他的尖锐交互
显然fugazi受过许多Dub、Funk 和 Reggae 等黑人音乐的影响，贝斯和鼓点的配合极具律动感，打破了传统朋克的单一节奏，虽然这件事早就有后朋克乐队做过了，但作为从硬核朋克发源的风格，这样的转变依旧难能可贵，因为这简直与主流硬核朋克的理念背道而驰，复杂的律动让双吉他的交互变得特别躁狂，并非简单的节奏与主音，而是双方系同时是节奏又同时是主音，时而清晰时而混乱
这就导致他们的歌曲结构是相当的充满张力和情绪化的，专辑在极端的爆发比如同名曲和克制的沉静之间反复横跳，这种“静与闹”的对比直接启发了后来的数摇和emo，当我知道美足其实很喜欢这张的时候，我其实有点惊呀，后来一想也蛮合理的，虽然作为中西部整体是偏柔的，但是确实也是继承了fugazi这种动静对比的歌曲创作方式，只是没那么夸张罢了
说一个和音乐本身无关，但和音乐产业有关的事情，fugazi 即便在专辑大卖后，他们依然坚持极低的全美统一票价（通常为5美元）和专辑售价，以此对抗音乐产业的贪婪，他们拒绝拍摄高成本mv和生产周边商品比如如官方T恤来圈米，我只能说这是真的有独立音乐反商业化之魂的，如果换作是我就肯定美美圈上大米了，respect

36. spiderland-slint
去年做这个榜的时候漏排了这张，今年必须严肃加入，有一说一虽然我对后摇的这种氛围并不怎么感冒，有的时候还爱诋毁黑帝魔怪，但是不妨碍我对他们最严厉的豹豹猫猫slint推崇备至，我甚至觉得这张其实是90s最被低估的专辑，哎这个时候有人就要问了vvv你不是说好和我们一起拷打后摇吗，我说他的根源是后硬核有没有懂的
slint首专tweez就是一张后硬核专辑，而这一点依旧延续，尤其是体现在专辑的第二首歌里，而其他的歌曲中也依旧延续了我之前在repeater乐评里面提到的那种静与动的对比歌曲结构，蜘蛛地透过呢喃呓语与尖声喊叫的歌唱方式，以及和声进行愈趋丰富的切分节奏，将音乐的动态极速地变动，这种切分节奏依旧也是数摇的先声
不过相比于后摇这个风格的后继者喜欢开很大的混响模糊朦胧感觉，他们的音色仍然保持一种简洁的冷峻，干燥，精准且克制，依靠这种音色他们创造出的氛围却是后来者无法逾越的高峰，要有多么敏锐的心灵力量，才能缔造出这种压抑幽闭的音乐氛围，才能创造出这种如同轻声讲述电影般的冷感，整张专辑充满了一种幽闭恐惧，焦虑和孤独的气息，这种“病态”的美学影响了无数以自己年轻抑郁灰暗心灵为主题创作的独立乐团，此外虽然说作为后摇的发源，他们却不像后来的后摇乐队拥有很多冗长且弱节奏的氛围段落（黑帝甚至自己现场都不演这些氛围段落）鼓点基本没停，专辑长度也并不长，每一首歌更没有超过10分钟的，这种保持听感做出的取舍更是相当值得推崇和学习的
后来我听洗衣机的时候，我突然意识到sy转变的新风格可能正是深受slint这张专辑影响的，尤其是washer这首歌，吉他riff让我觉得这首无缝插入洗衣机里都没问题，我现在原谅rym给洗衣机打后摇tag了，这张专辑启发了90年代最好的专辑，怎么能说没被低估呢

35. pulse demon-merzbow
当我们在听噪音音乐的时候，我们到底在欣赏什么？点开任何一张噪音/白噪音/粗噪音/粗噪音墙专辑，过了1分钟然后一头雾水的退出，你从噪音专辑里面听不到任何传统的，耳朵熟悉的，或者说潜意识里所期望的东西，回应你的只有一团无序的混乱，或狂暴或沉默，所以我们到底在听什么，当我们听噪音音乐的时候？
根据这个问题能衍生出很多有意思的审美或者哲学思辩问题，因为这个问题触及了艺术审美的核心，如果说传统音乐是关于秩序、和谐与旋律”的艺术，那么噪音音乐就是关于能量、解构与自由的探索，我们究竟是应该追求秩序还是混乱，旋律还是去旋律，编曲还是音色，而每个人对此侧重点不同，因此他们的解答也不同
虽然现在merzbow已经完全转为了电子制作（而且产💩量也是越来越高）但在上世纪他是japanoise中模拟设备制作音乐的翘楚，pulse demon的制作时期也正是他受死亡金属那种极端的声音取向影响最深的时候，因此pulse demon标志着 merzbow 创作风格的一个高峰，在这一时期，他将模拟合成器的潜能发挥到了极致，创造出一种极度密集刺耳的声音纹理，这种全频段轰炸的审美直接定义了大众对 Japanoise的刻板印象：高压、混沌且具有侵略性，不过相比于我前面介绍的default standard，这张专辑可以称得上是相当柔和了，不仅拥有极度刺耳强硬愤怒的噪声段，也有听感相对柔和的部分，音色就在这循环中不断变化呈现斑斓的色彩，对噪音音乐来说，这张专辑里的音色设计简直能堪称典范，甚至觉得这张专辑的重点并不是在噪音有多极端而是在他的变化上，就像细胞的不断分裂，蠕虫的不断蠕动，隧道的不断蜿蜒
无论你把它当作一种音乐来欣赏，或者说单纯就是听觉重置器，不过不管怎样，他都只是一种纯粹的声响，强迫听众将注意力集中在声音的纹理频率的变化和物理冲击力上，其实在听到这张专辑之前我对粗噪音这个风格是有负面看法的，因为那时我还没有分清粗噪音和粗噪音墙的区别，以为粗噪音和粗噪音墙一样一直是那种混沌音色不清晰的，而这张专辑彻底颠覆了我对粗噪音的所有负面看法，也因此勾起了我对粗噪音乃至其他广泛的噪音音乐的兴趣，也因此这张专辑和其他几张氛围音乐对我个人的音乐观重构和审美体系建立有重要的作用，当作探索也好，猎奇心态也罢，我都建议大家可以来听听这张专辑，获得一种与传统音乐完全不同的体验

诈尸

快更新，我要速成小众迪哥

34. ambient 1: music for airports-brian eno
相比于电子音乐里面ambient+house/techno/dnb之类的泛氛围音乐，布莱恩伊诺的许多作品就显得相当原教旨主义了，不过也是，正是这张专辑定义了ambient流派的名称和美学理念：氛围音乐需要适应多种层次的听觉关注，它须是有趣，却可以被忽略的，像光线或空气一样存在，既能让人沉浸式聆听发现细节，也能作为背景被忽略，而不会强行占据听者的注意力
在这张专辑之前，传统的背景音乐比如电梯音乐或轻音乐他们的创作思路是用一些设计的旋律掩盖背景的噪音或者提高生产力，简而言之就是将听众的注意力强行集中在这段旋律上从而忽视周边环境的影响，而这张专辑却反其道行之，让音乐来适应环境融为一体，因此张专辑组成特别的简单，电钢琴，人声吟唱和arp 2600合成器，也没有固定的节奏，因为对氛围音乐来说节奏的存在是致命的，他会不可避免的将听众的注意力集中在这上面，而这就与他的理念背道而驰了
专辑中他使用长度不等的多条磁带循环，让不同的声音元素以不规则的频率交汇，同时利用半速播放、加入大量混响和delay处理合成器单音，将具体的乐器声转化为一种抽象的音景，尽量减少了人的参与，因此制造了一种冰冷机械又温暖能抚慰人心冰火交织的感觉，1/2和2/1里面经过处理的单音女声吟唱就是这种机械与人共同作用的最佳印证和神来之笔，他不仅启迪后来的极简主义电子，新世纪和现在LoFi girl直播间那种LoFi音乐，伊诺确立的音景概念也被许多当今的音乐人使用，来传达某种特定情绪，而非依赖传统的旋律
其实我个人觉得氛围音乐特别是这种没有节奏的和噪音音乐的理念是相通的，两者都提供了一种氛围，只不过一种是通过宁静内化来展现，而另外一种是通过极端的噪声来填满，想明白这个点后我又将这个概念延伸拓展至整个音乐概念的范畴，什么是音乐，声音的本质是振动，在我看来只要有目的的振动那便可以称之为音乐，因为音乐就是人类情感的延伸，街道的喧闹或者雨声并不是音乐，但如果你把它录下来，去聆听，或者试图从中获取什么，为这段音频加上了人为的目的，那这就是音乐，因此我说这张专辑和之前提到的pulse demon重塑并构建了我的音乐观

33. ‘77 live-les rallizes dénudés
作为日本迷噪的大典，裸身集会本身却非常低调，虽然乐队早就在1967年就成立但他们直到1991年才发行了唱片，而且都是现场录音，其实最初乐队计划在录音室录音的，但是他们对于结果并不满意，所以最后转为了只进行现场演出的形态，这当然也有水谷孝想要让乐队刻意保持神秘感的原因，因此他们的官方发行作品特别少，很多知名的作品都是盗版，在现场偷偷录制的bootleg
虽然我正版盗版都有听吧，但是我个人认为他们的作品巅峰还是正版的‘77 live，单纯将裸身集会划为噪音摇滚是短视的，因为他们的音乐根源远比你想象的要复杂，可以说他们其实是和欧美的摇滚乐差不多同一时间起步的，布鲁斯硬摇滚，民谣，地下丝绒和法国的香颂音乐都是他们的灵感来源，因此在60到70年代中期他们形成了类似白光白热和the stooges那种粗糙的原始噪音摇滚朋克风格，而在70年代中后期后他们音乐风格变得越来越响亮，原始失真以及重复，从这张专辑里歌曲平均长度十几分钟就可以看出来（我个人觉得可能他们也是受到了德国泡菜摇滚的影响特别是faust和neu）也正因为这个转变他们才能创造出如此美轮美奂的噪音长诗篇
‘77 live 以毁灭性的高分贝吉他回授噪音和失真著称，水谷孝将吉他失真变成了一种喷薄而出的物理力量，模糊了旋律与纯噪音的界限，让旋律隐藏在不停回响于演出现场的吉他噪声中，而与狂暴的吉他形成对比的是其异常稳固且带有布鲁斯色彩的贝斯线条，流畅柔和悦耳且重复，在每首歌长达十几分钟的噪音洪流中维持着某种催眠般的节奏，构成了乐队演出的骨架，提供了稳定的听感，水谷孝的演唱极度沉闷、单调且被深重的混响淹没，传达出一种深切的孤独感和虚无，同时又透露着一种渴求，夜、暗殺者の夜就是旋转这种特点的最好体现，将暴力的噪音与阴郁的情绪完美融合
长期以来，裸身集会的唱片极难获得，多以盗版形式流传，这为'77 live披上了一层神秘色彩，代表了不向商业妥协，纯粹追求声音极限的艺术态度，因此地下乐迷对这张专辑趋之若鹜，最开始我其实还觉得音质太烂是扣分项，但后来我也不禁开始思考，若没有单麦克风以卷盘式录音机录制，导致混音效果极其响亮且失真和水谷孝坚持并追求的声音恐怖主义，是否这张专辑就无法实现这种独特的听感，lofi和录音技术不足导致的噪音和merzbow那种精心设计产生的噪音效果两者究竟是否能视为一致，虽然我依旧坚持噪音音乐应该是hifi的因为要欣赏音色的变化，但lofi所带来的噪音效果依旧值得关注和思考

32. r plus seven-oneohtrix point never
虽然我对opn去年的新专不是很感冒，因为我不是特别喜欢他目前追求的那种音色，但是说实在的经历了一年r加7依然是我相当喜欢的电子音乐作品，opn我也依旧觉得他是一个相当有才华和想法的电子音乐制作人，这张专辑就是opn的生涯最佳作品
显而易见这张专辑最突出的特点就是大量使用了 80，90 年代的 MIDI 预置音效、廉价 VST 插件和daw合成器音色，虽然这些音色常被视为廉价或过时的商务背景音乐，但 opn并非以嘲讽的心态使用它们，而是将其视为一种具有极强可塑性的材料，挖掘出其内在的宏大与神圣感，在这张专辑之前，前卫电子/实验电子领域盛行对 70/80 年代analog音色温暖质感的追求，而这种突破常规的使用不仅令人印象相当深刻，还使这张专辑存在一种奇特的纯真
专辑里每首歌在结构和音色上都截然不同，这张专辑彻底摒弃了传统电子舞曲或氛围音乐的平稳流向，歌曲中充满了突如其来的静默，采样切换和不协调的剪切，有可能是受解构俱乐部的影响，这种结构模拟了互联网时代人类注意力被不断打断的状态，也影响了后来hyperpop中常见的碎片化处理方式，因此每首曲目都包含不同的乐章，这也导致人们偶尔会把这张专辑和古典音乐作比较，比如电子音乐先驱steve reich
opn早期专辑eccojams开创了蒸汽波的音乐美学风格，这张专辑则是更进一步将这种有点梦幻的美学带入了更高的艺术殿堂，感觉就像走进了一场现代艺术展，但展品并不是那些不知所云的现代艺术，而是带有其特征的科技作品，作为他在老牌名厂 warp records 的首秀，opn通过这张专辑证实了他与同厂牌艺术家比如afx和飞莲具有相同的音乐创作实力和对艺术的前瞻性与敏锐嗅觉，到达了他的创作高峰