我本来只是写自己对《沉船》这首歌的一些看法（而这些内容已经够多的了）。但写着写着吧，我发现可以在其中穿插一下我对于黄榕生这场演唱的想法。因为他完全是按照这首歌的情绪内涵来唱的，所以这样穿插来写自然是很合适的：
就原版来讲，个人看法哈，《沉船》这歌最精彩的地方就是它那种层层推进的画面感，主要通过那种对比来呈现。
例如说：它最明显的对比之一，主歌开头部分的推进。从节奏舒缓的称述式乐段，唱到重点刻画的东西，每个音的节奏比之前更慢两倍。虽然我还没仔细扒谱，但大体上，如果前面的陈述乐段主要由八分音符构成的话，重点强调的东西就是二分音符——而这种两倍时值的变化属于那种 “很明显” 的反差，在情绪转折上可以起到强调的作用，但用不好的话就会非常突兀。那韦礼安是怎么做的呢？他在每一句的尾端放慢节奏，然后重复这种方式。大概是这样：
（八分音符）（四分）（四分）
扬起这张 破旧 的帆
（八分音符）（四分）（四分）
这趟不得已 (休止)的 出航
（八分音符）（四分）（四分）
这条历经 风霜 的船
（八分音符）（四分）（四分）
还剩下什么 乘风 破浪
两个慢下来的四分就是过度，四次重复过后：
（二分音符）
腐锈的罗盘
当然我这里是大概的分一下哈，更具体的音符的节拍走向（例如里面的切分音什么的）——那扒起来就很麻烦了。我就不搞了，反正意思懂就行。基本上是：四个八分＋一个四分＋一个四分，重复四次。然后进二个两分构成的强调小节，总体四四拍节奏。
我先说一下，这个节奏运行的方式，在流行乐中还是属于较常见的那种。但是韦礼安这里，运用这种常见的节奏类型，写出了画面感很强的曲段。这就要结合歌词来听了，例如第一句：扬起这张 破旧 的帆。听韦礼安的原版，他唱的时候就有我前面写的那样的微小停顿，配合音符的时值，这里就有一个强调作用，强调那个 “手中握的帆”，最终起到这么个效果：一个人绑紧船上的帆绳，将船帆扬好，然后【看】了一眼自己这破旧的帆。
这里可以注意一下，无论是节奏的稍微放缓还是人声上的小停顿，事实上都是要你【看】到这破旧的帆——这也是 “画面感” 特别是延续的画面感建立的难点。音乐不像图画或者影像艺术，如何让听众感受到你的画面，是一个从抽象到具体的过程。你可以用编曲来做，但如果你的编曲不能太突出呢？你也可以提高旋律的音高，采用音更高的和弦，但如果你的音不能太高呢？《沉船》的开头就是这样的情况，所以韦礼安采用了另外的方式，从节奏、音符时值与停顿入手来引导听众的注意力。
（P.S：当然了，韦礼安写曲的时候肯定不会像我这样一步一步的，还有逻辑的走，他当然是感觉对了就直接写了，感觉不对就改到对为止。我这个是从欣赏的角度来思考的，不是创作者角度哈。）
画面感的塑造，需要一个渐进的过程。通过四次同样曲式的重复，我觉得最终达到了这样的效果：引导听众在非常悲伤的氛围里坐上了一艘小船。而如果你更仔细去听的话，应该已经可以感受到那种 “完全没有准备好却已经上路” 的，对以后的未来举棋不定的彷徨感。如果你没感受到也没关系，因为这首歌接下来会不断重复强调这种情绪，彷徨感从头贯彻到尾。所以，我觉得《沉船》有一个很好的开头，迅速让人静下来的同时又挑起你的情绪。
而黄榕生这场表演的开场，完全把上述那种彷徨不安的情绪唱出来了，相比原版他还强化了这种惶惶不安。这一方面是因为他咬字的方式，本身比原唱要更突出歌词一些；另一方面则是因为他对音量的细微控制。这里先解释下，不管是何种乐器还是人声在音量控制上：通常而言，“轻” 总是比 “重” 难。而且无论是何种乐器或者人声，对音量的控制总是考验功力的、真正的难点之一（因为音量和歌曲的情绪与质感是直接挂钩的）。黄榕生这里的开场就直接体现了他对音量控制的能力，这也正是那种惶惶不安感被传递出来了的原因。
黄榕生是怎么做的呢？大概有三个层面：
第一个层面，是段与段之间的细微差别。《沉船》开头四句可以分为两段，前两句是一段：杨帆出航；后两句是一段：坐船出海。事件是同样的，但是它的情感有一个推进和加深，这种类型的重复是塑造画面感的歌曲常用的手段了。黄榕生这里的演唱：前段比后段音量稍微轻一些。这里轻得很微妙。首先，这首歌的开头就是独白陈述性质的，为了营造那种惶惶不安的氛围，它不会太强；其次，它的歌词内涵是开始一段旅程，所以它又不能太轻，太轻不就感觉熄火了一样嘛。所以最终它大概是一个mp（中弱）以下的程度。韦礼安的原版里，这四句，特别是节奏稍快的八分音符部分，差不多是一直维持在mp的。而黄榕生的演唱，前两句是p（弱）的程度，后两句才是mp的程度。换言之，对于轻，他有一个渐强（p到mp）的处理。这个处理，我这么写出来感觉好像很容易，但真做起来是很难的。特别在现场那种空旷舞台下，做起来就更难。当然对于唱歌的好手而言，这种困难的事情就属于必须做到理所当然应该做到的事了；
第二个层面：后段里的重音强调。这与上面那个层面是承接的，他在这里稍微强调了第三句的开头。原唱里没有特别强调这个重音，因为原唱里四句都是mp的程度，而黄榕生前两句唱的是p，所以后两句的开头唱成mp就达到强调的程度了。这个层面可以说是第一个层面的实现方式，之所以划分出来，是因为它的意义与上面不同；
第三个层面：句内的强弱变化。这是最明显的部分了。第一句和第二句与原唱像同，但第三句比原唱多了一层变化，第四句的收尾更长（为接下来的强调做承接）。
把强弱标出来大概是这样的，黄榕生：
扬起这张 破旧 的帆 这趟不得已 的 出航
p > pp p > pp < p
这条历经 风霜 的船 还有什么能 乘风 破浪（延长）
mp > p > pp mp > p < mp
而原唱是这样：
扬起这张 破旧 的帆 这趟不得已 的 出航
mp > p mp > p < mp
这条历经 风霜 的船 还剩下什么 乘风 破浪
mp > p mp > p < mp （pp很弱；p弱；mp中弱；>渐弱；<渐强）
虽然还要考虑音色等方面的控制，但还是可以想象一下，如果是你自己唱歌唱出了这种程度，结合歌曲那会是什么效果呢？从黄榕生的演唱来看效果是很直接的：那种 “完全没有准备好却已经上路” 的，对以后的未来举棋不定的彷徨感，被赤醴裸地表现了出来。你听他的 “破旧的帆”，那就是你拿在手中的帆很破的感觉。“不得已的出航”，那就是没准备好，又不得不出发的情绪。“历经风霜的船 - 乘风破浪”，那就是手中只有（“这条” 重音强调）一条痕迹斑斑的旧船。想想看自己真是什么都没有……前途漫漫，我又该如何是好的情绪。
就是那种彷徨迷茫的情绪。为什么彷徨？因为我【知道】自己的力量不够，我【知道】自己可能应付不了未来的重重障碍。所以，这里的彷徨事实上来自于 “恐惧”。而黄榕生的表演开头就放大了这个最关键的情绪，或者说将这种 “恐惧” 更赤醴裸地展现了出来，听众自然会清晰地感受到那种惶惶不安。这也是音量控制的魅力，大家可以体会一下。
当然了音量的控制必须与相应的音色与咬字相匹配。因为音色与咬字，会直接决定人声情绪输出的程度，进而反过来决定歌手应该使用的音量。例如这里，黄榕生之所以能使用更轻的音量，也是因为他那强调歌词的咬字方式，这二者是互相适应的。如果一个人本身就是很 “轻” 的咬字或者音色偏轻，再使用更轻的音量，那不仅无法加强情绪中 “恐惧” 的表达，反而会丧失绝对应该有的 “出航” 感，最终的结果就是整个开头趋于平淡了——这是唱《沉船》开头很容易犯的大忌。因为这首歌的开头，是那种 “平淡里纠结” 的感情。纠结的感情很容易被唱没了——这时候整首歌都没意义了。
可以说，只是这个开头，就可以直接感受到黄榕生的唱功（或者说对歌曲的理解程度or音乐素养）。他对于情绪的表达，背后蕴含着的是音乐的规则，从认识到理解到运用他都做到了。所以黄子韬说，台上的人各有优势，黄榕生的优势就是 “唱功好”。这个说法比较笼统，可以换个词 “会” 唱歌。为什么？当你清晰感受到那种不甚舒适的彷徨不安感时，这种情绪传递的能力，对歌曲情绪细节与核心处理的能力——就是 “会” 唱歌的人才做得到的。
—— TBC? ——
其实我对他这首歌的表演，看法还没有写完（毕竟这里只是开头部分）……但这样写真的太慢了也非常麻烦。所以如果有后续的话，应该是不会这么细致的，因为太麻烦了……
就原版来讲，个人看法哈，《沉船》这歌最精彩的地方就是它那种层层推进的画面感，主要通过那种对比来呈现。
例如说：它最明显的对比之一，主歌开头部分的推进。从节奏舒缓的称述式乐段，唱到重点刻画的东西，每个音的节奏比之前更慢两倍。虽然我还没仔细扒谱，但大体上，如果前面的陈述乐段主要由八分音符构成的话，重点强调的东西就是二分音符——而这种两倍时值的变化属于那种 “很明显” 的反差，在情绪转折上可以起到强调的作用，但用不好的话就会非常突兀。那韦礼安是怎么做的呢？他在每一句的尾端放慢节奏，然后重复这种方式。大概是这样：
（八分音符）（四分）（四分）
扬起这张 破旧 的帆
（八分音符）（四分）（四分）
这趟不得已 (休止)的 出航
（八分音符）（四分）（四分）
这条历经 风霜 的船
（八分音符）（四分）（四分）
还剩下什么 乘风 破浪
两个慢下来的四分就是过度，四次重复过后：
（二分音符）
腐锈的罗盘
当然我这里是大概的分一下哈，更具体的音符的节拍走向（例如里面的切分音什么的）——那扒起来就很麻烦了。我就不搞了，反正意思懂就行。基本上是：四个八分＋一个四分＋一个四分，重复四次。然后进二个两分构成的强调小节，总体四四拍节奏。
我先说一下，这个节奏运行的方式，在流行乐中还是属于较常见的那种。但是韦礼安这里，运用这种常见的节奏类型，写出了画面感很强的曲段。这就要结合歌词来听了，例如第一句：扬起这张 破旧 的帆。听韦礼安的原版，他唱的时候就有我前面写的那样的微小停顿，配合音符的时值，这里就有一个强调作用，强调那个 “手中握的帆”，最终起到这么个效果：一个人绑紧船上的帆绳，将船帆扬好，然后【看】了一眼自己这破旧的帆。
这里可以注意一下，无论是节奏的稍微放缓还是人声上的小停顿，事实上都是要你【看】到这破旧的帆——这也是 “画面感” 特别是延续的画面感建立的难点。音乐不像图画或者影像艺术，如何让听众感受到你的画面，是一个从抽象到具体的过程。你可以用编曲来做，但如果你的编曲不能太突出呢？你也可以提高旋律的音高，采用音更高的和弦，但如果你的音不能太高呢？《沉船》的开头就是这样的情况，所以韦礼安采用了另外的方式，从节奏、音符时值与停顿入手来引导听众的注意力。
（P.S：当然了，韦礼安写曲的时候肯定不会像我这样一步一步的，还有逻辑的走，他当然是感觉对了就直接写了，感觉不对就改到对为止。我这个是从欣赏的角度来思考的，不是创作者角度哈。）
画面感的塑造，需要一个渐进的过程。通过四次同样曲式的重复，我觉得最终达到了这样的效果：引导听众在非常悲伤的氛围里坐上了一艘小船。而如果你更仔细去听的话，应该已经可以感受到那种 “完全没有准备好却已经上路” 的，对以后的未来举棋不定的彷徨感。如果你没感受到也没关系，因为这首歌接下来会不断重复强调这种情绪，彷徨感从头贯彻到尾。所以，我觉得《沉船》有一个很好的开头，迅速让人静下来的同时又挑起你的情绪。
而黄榕生这场表演的开场，完全把上述那种彷徨不安的情绪唱出来了，相比原版他还强化了这种惶惶不安。这一方面是因为他咬字的方式，本身比原唱要更突出歌词一些；另一方面则是因为他对音量的细微控制。这里先解释下，不管是何种乐器还是人声在音量控制上：通常而言，“轻” 总是比 “重” 难。而且无论是何种乐器或者人声，对音量的控制总是考验功力的、真正的难点之一（因为音量和歌曲的情绪与质感是直接挂钩的）。黄榕生这里的开场就直接体现了他对音量控制的能力，这也正是那种惶惶不安感被传递出来了的原因。
黄榕生是怎么做的呢？大概有三个层面：
第一个层面，是段与段之间的细微差别。《沉船》开头四句可以分为两段，前两句是一段：杨帆出航；后两句是一段：坐船出海。事件是同样的，但是它的情感有一个推进和加深，这种类型的重复是塑造画面感的歌曲常用的手段了。黄榕生这里的演唱：前段比后段音量稍微轻一些。这里轻得很微妙。首先，这首歌的开头就是独白陈述性质的，为了营造那种惶惶不安的氛围，它不会太强；其次，它的歌词内涵是开始一段旅程，所以它又不能太轻，太轻不就感觉熄火了一样嘛。所以最终它大概是一个mp（中弱）以下的程度。韦礼安的原版里，这四句，特别是节奏稍快的八分音符部分，差不多是一直维持在mp的。而黄榕生的演唱，前两句是p（弱）的程度，后两句才是mp的程度。换言之，对于轻，他有一个渐强（p到mp）的处理。这个处理，我这么写出来感觉好像很容易，但真做起来是很难的。特别在现场那种空旷舞台下，做起来就更难。当然对于唱歌的好手而言，这种困难的事情就属于必须做到理所当然应该做到的事了；
第二个层面：后段里的重音强调。这与上面那个层面是承接的，他在这里稍微强调了第三句的开头。原唱里没有特别强调这个重音，因为原唱里四句都是mp的程度，而黄榕生前两句唱的是p，所以后两句的开头唱成mp就达到强调的程度了。这个层面可以说是第一个层面的实现方式，之所以划分出来，是因为它的意义与上面不同；
第三个层面：句内的强弱变化。这是最明显的部分了。第一句和第二句与原唱像同，但第三句比原唱多了一层变化，第四句的收尾更长（为接下来的强调做承接）。
把强弱标出来大概是这样的，黄榕生：
扬起这张 破旧 的帆 这趟不得已 的 出航
p > pp p > pp < p
这条历经 风霜 的船 还有什么能 乘风 破浪（延长）
mp > p > pp mp > p < mp
而原唱是这样：
扬起这张 破旧 的帆 这趟不得已 的 出航
mp > p mp > p < mp
这条历经 风霜 的船 还剩下什么 乘风 破浪
mp > p mp > p < mp （pp很弱；p弱；mp中弱；>渐弱；<渐强）
虽然还要考虑音色等方面的控制，但还是可以想象一下，如果是你自己唱歌唱出了这种程度，结合歌曲那会是什么效果呢？从黄榕生的演唱来看效果是很直接的：那种 “完全没有准备好却已经上路” 的，对以后的未来举棋不定的彷徨感，被赤醴裸地表现了出来。你听他的 “破旧的帆”，那就是你拿在手中的帆很破的感觉。“不得已的出航”，那就是没准备好，又不得不出发的情绪。“历经风霜的船 - 乘风破浪”，那就是手中只有（“这条” 重音强调）一条痕迹斑斑的旧船。想想看自己真是什么都没有……前途漫漫，我又该如何是好的情绪。
就是那种彷徨迷茫的情绪。为什么彷徨？因为我【知道】自己的力量不够，我【知道】自己可能应付不了未来的重重障碍。所以，这里的彷徨事实上来自于 “恐惧”。而黄榕生的表演开头就放大了这个最关键的情绪，或者说将这种 “恐惧” 更赤醴裸地展现了出来，听众自然会清晰地感受到那种惶惶不安。这也是音量控制的魅力，大家可以体会一下。
当然了音量的控制必须与相应的音色与咬字相匹配。因为音色与咬字，会直接决定人声情绪输出的程度，进而反过来决定歌手应该使用的音量。例如这里，黄榕生之所以能使用更轻的音量，也是因为他那强调歌词的咬字方式，这二者是互相适应的。如果一个人本身就是很 “轻” 的咬字或者音色偏轻，再使用更轻的音量，那不仅无法加强情绪中 “恐惧” 的表达，反而会丧失绝对应该有的 “出航” 感，最终的结果就是整个开头趋于平淡了——这是唱《沉船》开头很容易犯的大忌。因为这首歌的开头，是那种 “平淡里纠结” 的感情。纠结的感情很容易被唱没了——这时候整首歌都没意义了。
可以说，只是这个开头，就可以直接感受到黄榕生的唱功（或者说对歌曲的理解程度or音乐素养）。他对于情绪的表达，背后蕴含着的是音乐的规则，从认识到理解到运用他都做到了。所以黄子韬说，台上的人各有优势，黄榕生的优势就是 “唱功好”。这个说法比较笼统，可以换个词 “会” 唱歌。为什么？当你清晰感受到那种不甚舒适的彷徨不安感时，这种情绪传递的能力，对歌曲情绪细节与核心处理的能力——就是 “会” 唱歌的人才做得到的。
—— TBC? ——
其实我对他这首歌的表演，看法还没有写完（毕竟这里只是开头部分）……但这样写真的太慢了也非常麻烦。所以如果有后续的话，应该是不会这么细致的，因为太麻烦了……
