前面朋友说了很多。都很精彩。今天看了一天Janowski的排练，累得要命，写点东西消遣一下。也供大家讨论。
前文
@shaoygzz蹦蹦 提到了体制问题。
我今天就像说说体制。但是，此体制非彼体制，客观的说说，没打算批评谁。。。。
音乐教育也是个体系工程。它存在很多个层面。前文说了开蒙老师。其实一个学生从入门到成才需要至少三个老师，在不同的方向给学生进行教育。开蒙老师，主要是给学生创立一个好的学习习惯，好的思维方式，以及比较健康的音乐观，之后起码需要一个老师，在基本的认识领域，加强学生对音乐的理性认识，最后一个老师就属于那种乾坤巨匠了，要的是能够把学生天赋的小宇宙开发出来。
前文也有朋友说天赋，汗水，和好的家庭条件。也对，也不对。天赋，说到天赋。说实在的，每个人都有一些的。多点少点罢了。再厉害的天赋，也不可能靠着吃一辈子，汗水，那是必须的，如果说天赋是火焰，用汗水积累的知识和经验，就是柴。好的家庭条件，对于非音乐家庭来说，是比较必要的。走弯路也很费钱的。对于音乐家庭一般不需要的。我儿子如果要学钢琴，基本什么都是现成的。琴，谱子，录音，老师，家里什么都不缺。前面说了，需要三个老师。那么这里面就需要体系的力量了。如果音乐教育不成体系，学的东西就是碎的，三个人的东西彼此不相关联，甚至相反相克，那能成才都见鬼了。除非学生智慧超群，逻辑思维超强，能自己找到一条路。这样的人，恐怕很难找。
这就是体系的力量。一个音乐家无论学什么行当，都无非是这么几个方向：第一就是自己的专业，第二是理论知识，第三就是音乐史方向的积淀。当然这是从纯专业的角度来说。其实，音乐本身是文化的结晶，如果不对文化，人性进行思考，那么音乐就很难有活力。
先说说专业。无论什么专业，都存在着两个问题，内容，和如何表达内容。作曲如此，演奏亦是如此。对于作曲家来说，如何用心提炼和组织素材，就是内容的核心。伟大的作曲家从来不谈什么感觉的。他们有感情，但是，他们更懂得，如何精确的表达自己的感情，也懂得如何表达自己作品的“内容”。至于如何表达就是技术问题了。对于演奏家来说，亦是如此，首先要知道自己要演奏的是个什么东西，然后才能谈如何去演奏。所以，离开音乐去谈技术问题本来就是多余的。所以，每当有学生跟我说觉得自己技术不好我就觉得好笑。
但是为啥无论学啥乐器，老师都是从“技术”开始呢？为啥要练练习曲呢？为啥还有各种枯燥的练习和音阶呢？
我之所以把“技术”打上引号，因为这个“技术”和我上面说到的“技术”不是一个概念。学习任何乐器，其实最开始训练的基本技能之一，就是演奏器官（手，脚，也有可能是嘴，舌头），脑，耳朵，眼睛达到同步。这个说起来容易，做起来极难。这个同步是什么意思呢？就是，演奏器官完全接受头脑的指挥，不需要有意识的控制，演奏器官能够准确的完成脑子所想到的音乐，而耳朵同时监控，演奏出来的东西是否跟脑子里面想到的一样，而眼睛读谱告诉脑子音乐是什么样子的。这个同步，可以是低等的，也可以是高等的。这就看人的音乐造诣如何了。你眼睛看到的音乐一眼能看多深，看多多。都决定着你脑子里面反应出来的印象，最后决定演奏器官做出来的效果。无论手指练习，还是音阶，训练的都是这些东西，因为本身这些东西没有音乐，看得是纯手艺，据说拉赫玛尼诺夫一天练四个小时的音阶，我个人认为就是不断的强化自己这方面的同步性，同时依靠耳朵检验自己的手指是否听话，是否能把自己想做的基本音乐材料做好。很多演奏家都说音阶最难演奏，估计很多人并不了解为什么。以钢琴为例，因为我以前是学钢琴的，所以比较了解。音阶之所以难，钢琴有自己的难点就是过指的问题，是否会有痕迹，当然，这是初学者的问题，我没听到过任何一个音乐学院学生会有这方面的“问题”，我之所以打上引号，就在于，只不过是听上去没啥问题，而不是真的没有问题。音阶之所以难，一方面是体现在练的时候始终要有一定的节奏概念在里面，一组几个音，虽然可能听的人不清楚，但是弹的人要非常清楚，以保证节奏上面的均匀；另一方面体现在音质的均匀上，左右手的力度要非常微妙的统一在一起，让一个八度达到一个非常稳定的，统一的音质。而演奏过程中要保证肢体绝对的放松，绝对柔软，以便保证绝对的控制力。音阶这个东西一旦练好了，就可以扩展到各个层面，比如双音，和弦这些基本音乐素材中。有了这种控制力，其实也就等于有了一定的基本技能，或者说手艺，有了手艺，才能谈技术。技术直接决定在对音乐的认识上，如果对音乐认识的一知半解，也就只能玩玩手艺了。因为“技术”对于要表现的东西来说，非常够用，因为演奏者对于自己要表现的东西认识太浅。自然就很够用了。
国内培养艺术人才体制拙计一时半会儿的难以改变，文化的相对独立性决定其发展质量提速缓慢啊。
