眼看着越来越多精美绝伦的时装摄影图片充斥着时尚杂志、品牌服装的宣传画册和专卖店的橱窗；眼看着服装企业和设计师们开始重视起时装摄影对于服饰理念的演绎和延伸；眼看着国内涌现出了一批优秀的时装摄影师，通过时装摄影的再现，为服装增加了更广泛的内涵，试图超越其本身的状态。我们不得不承认，在设计赋予了时装灵魂的今天，是摄影给了它生命。
　　正如著名时装设计师王新元所说：“如果没有平面、立体、静态、动态的表现方法，没有声、光、电和名人效应，衣服做得再好，也只是服装，而不是品牌。一组甚至一张杰出的应季时装摄影作品，能够成为时尚的标志，成为畅销的理由，成为品牌的社会定位，成为消费者追逐的对象。时装摄影能够使对艺术的崇拜很容易地转化为对品牌的崇拜。” 
　　因为在不同的地方时装摄影所表现的东西不同，所以杂志上的时装摄影图片，可以不顾及市场的作用，而更加关注时尚信息的发布和未来流行趋势的预测；但若用于产品的推介，它就得偏向考虑时装的性格
、特点，考虑市场的因素。虽然时装摄影只是一个美丽画面的构成，但包含的因素却繁复多样：与设计师沟通，交流；挑选与服装风格适应的模特；挑选场景，确定是在室内还是在室外——要与服装的风格相协调；技术要全面，过硬；控制模特，通过她们的动作，肢体语言，把好的设计夹带出来以及后期的制作。好的时装摄影图片可以很好地体现一个品牌的概念、定位和效果，体现一个品牌的特色和风格，所以要想建立或者已经拥有自己的品牌的企业是不会粗制滥造这些图片的。这就要求时装摄影师，第一，要有丰富的创造力；第二，要有娴熟的摄影技术；第三，要有快速沟通和驾驭、控制模特的能力；第四，选景要切题，符合品牌的风格。
　　于是，在所有基础都具备的条件下，时装摄影师作为服装设计师的附属应运而生了。
　　一个好的时装摄影师能通过服装设计师给出的这个品牌对未来发展有何想法和品牌的独特个性来了解和理解服装，这样才能确定模特、图片的色调和场景。中国的特定环境决定了时装摄影的不成熟，它的进一步发展要靠好的企业来扶持，而很多企业、设计师品牌概念模糊，对自己的产品的品牌形象不是很清楚，所以怎样理解、表现设计师的意图就成为拍摄的关键。就现状而言，中国时装摄影总的水平还不是很高，还存在着很强的模仿痕迹，原创性、独创性的东西还很少，尤其是时尚文化和民族文化的融合，不留痕迹的更少。
　　相对来说，时尚摄影对于技术要求更为苛刻。
　　摄影师必须掌握色彩给时装带来的丰富的表现力，特别是对“时装摄影”这种具有强烈色彩特征的被摄体来说，只有掌握彩色摄影的基本要素，才能更好地去把握时装摄影，达到拍摄者所要求的效果。他们要知道彩色摄影的有关知识，了解这种固有色在直射光与散射光的不同照射下，会形成的不同的或深或浅的色彩效果；了解若要使固有色表现得饱和、鲜艳，用光时宜使用漫散射光线，因为这种光线比较柔和，被摄体——“时装”不至于损失亮面与暗面的层次，是再现被摄体色彩最理想的光线；当时装被拍摄者收进快门镜头时，他们要注意时装的“明度”，即时装本身色彩的明暗、深浅程度，清楚同一种色彩因受光情况不同而产生的明度上的变化（色彩当受强光照射时，它的色彩变淡，明度提高；当一种色彩受光很少，它的色彩变深，明度降低）；清楚被摄体的色彩明暗变化，恰当地运用色彩，最终达到增强照片的视觉效果，把时装表现得更完美更淋漓尽致的目的。
　　场景的选择对于品牌来说，限制也比较多，室内注重搭景，而室外则需要注重选景。外景相对于室内拍摄，不能控制的因素多，比较新鲜，更能让人兴奋起来；当然不利的就是要过分依靠天气；而在室内拍摄，比较理智，技术上比较能够控制。
　　以上种种对于时装摄影的重要性，我们可以从这次的最佳时装摄影师候选人作品当中完整地体会出来。技术可以慢慢积累，器材可以慢慢调整，而独特的审美视角，却是摄影师驾驭技巧及设备后综合素质的体现。摄影师们试图通过画面来传达视觉语言与设计师概念之间的理性融合，在前卫与经典之间寻觅一种精致优雅的品味。
　　辽阔的草原和银白的沙滩，充满古典意味的老墙和闪耀着光环的金属板，带给我们新鲜刺激的同时，也渗透着设计师的意念和摄影师自我个性的张扬。
　　当这些突破了一般摄影师僵硬、呆板、直面式的摄影，在流动的生活瞬间寻找梦幻的作品耸立在我们面前时，别说你没有被其中震撼的视觉张力和美到极致的画面语言所吸引！